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Lista de Clase

- Laboratorio de Producción Gráfica --
TALLER 5 CENTRO DE DISEÑO

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TEORIA - HISTORIA EL DISEÑO I
frankyforce@hotmail.com

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SU NOMBRE
FrankFont
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«I M P O R T A N T E » Colocar la Información y su fotografía en el WIKI, hace parte del Proceso Pedagógico montado para esta asignatura, es y Tan importante como los ensayos y los trabajos presentados en físico Durante el proceso.Linea-diseño.jpg
Frank Font cuatro cuadros:

Al seleccionar cuatro de los cuadros que están en mi casa y hacen parte de mi vida cotidiana ya desde hace muchos años, he decidido encontrar un eje común entre ellos, una semejanza en todos ellos, a pesar de los distintos estilos y de las distintas épocas en que fueron creados y de las distintas temáticas que aborda cada uno.
Lo primero que capto, al observar detenidamente, e intentando aplicar lo leído en el texto de Susan Woodford, es la ubicación de las figuras, es decir, el manejo de los espacios, la colocación de los elementos, la retícula invisible que pueda estar detrás de cada objeto.
Noto que el lugar en el que se colocan las figuras, el tamaño de estas y su posición, expresa inmediatamente el nivel de protagonismo de cada una. Así mismo, noto también que cada punto de la composición, tiene un significado. Una figura en el fondo, atrás, me indica algo subliminal u oculto.
Todas estas obras que contemplo, un torero, una gitana, unos peces y una playa, contienen elementos que priman unos sobre otros.
Luego percibo un eje común, la mayoría de estos cuadros son pintados por artistas españoles, hacen alusión a sus playas ( tal vez catalanes, canarios, mallorquines andaluces), reflejan el fondo del mar, los peces. Luego una gitana y un torero, ambos dicientes acerca de las tradiciones del país ibérico (esta última, el torero, no muy plausible de hecho).


Frank Font ¿Qué es arte?

El autor nos hace conscientes de la manera en que puede ser percibida y calificada como tal, una obra de arte hoy en día, haciendo un recuento de lo que ha sido el arte desde el Paleolítico, referenciando las representaciones de animales encontradas en las cuevas de Altamira. Hace hincapié en las distintas maneras que tienen las personas, según sus gustos o profesiones, de percibir y de clasificar algo como arte.
Personalmente pienso que eso es verídico, pues, tomando en cuenta la definición de la palabra Arts en latín que nos brinda el texto, como una suma de conocimientos, y el dato de que pensadores como Sócrates, nunca establecieron una referencia exacta de lo que puede ser el arte, concluyo y siento además, que por una parte, en universo de variedades infinitas y gustos múltiples, lo que es bueno para unos, no lo es necesariamente para otros. Sin embargo, debe haber alguna cualidad en lo que cada uno denomine como obra, ya sea en el color, composición, trazo, idea u originalidad. Me atrevería a decir, que a pesar de la amplitud de criterios que abarca el arte en su subjetividad, se requiere poseer alguna de estas cualidades o varias, para que una obra pueda ser llamada arte. Al cumplirse alguno de estos parámetros, entraríamos en el mundo de los gustos y de las preferencias personales basadas en las inclinaciones naturales de cada quien.


Frank Font Como mirar un cuadro S. Woodford

Aquí se nos habla acerca de los elementos y aspectos que podemos tomar en cuenta a la hora de estudiar y comprender el mensaje que puede haber en un cuadro. Entre estos aspectos están el contexto social y cultural, el análisis de las cosas que acontecían en aquellas épocas y también la observación de la ubicación de las figuras en las obras, tomando en cuenta los ángulos, las centralidades, los fondos, entre otras. Al percatarnos de esto, podemos descubrir intenciones o técnicas del autor, ya que, en el arte, existen multiplicidad de criterios, gustos y maneras de expresar, y por lo tanto existen igual cantidad de maneras de interpretar. Al tomar en cuenta éstas técnicas a la hora de analizar un cuadro, podemos lograr descubrir algún dato que nos revele total o parcialmente, las intenciones y emociones del artista.



Frank Font De Platón a Winckelmann

En esta lectura,el autor nos aporta conclusiones basadas en las teorías y enseñanzas de varios de los más grandes pensadores griegos, como Platón y Aristóteles, y luego nos menciona la importancia que, en esta materia, tiene Johann Winckelmann, el cual fue un pionero de la historia del arte y experto conocedor del pensamiento griego. Por un lado, se nos habla del concepto que tenía Platón acerca del arte, el cual podía ser un poco dual, ya que, por una lado consideraba la imitación como un producto carente de las características totales que posee su origen real o referencia, y al mismo tiempo era un conocedor de la pintura y tenía cierta devoción por esta. Criticaba la relatividad del arte, a la hora de ser contemplada e interpretada, dado que según el ángulo desde el que se mirara, podría variar.
De Aristóteles en cambio, nos habla de que no realizó numerosos aportes en la materia, pero que sin embargo, los que realizó puntualmente fueron de vital trascendecia para la concepción actual del arte y la pintura. En sus escritos metafísicos, Aristóteles mencionó varias veces que, el arte es el medio por el cual se manifiestan las formas, y que éstas provienen del ánima o alma del artista. La importancia que, en esta lectura se le concede a los pensadores griegos, es grande, porque plantearon interrogantes que abrieron las puertas a una nueva manera de estudiar y de analizar el arte. No existía en aquella época, un criterio tan diverso a la hora de estudiar el arte, pero no por ello era inválida la concepción que se tenía de esta, sino por el contrario, muy profunda y filosófica, como bien podría esperarse de una civilización como lo fue Grecia.
En mi opinión muy personal, concluyo que, el arte hoy en día, tiene más maneras de interpretarse y de ser juzgada, pues ya no solo se valora la similitud (imitación) con la realidad o la calidad del trazo y la aplicación de los cánones y técnicas académicas, pues, después de las primeras vanguardias surgidas en el siglo XX, como el fauvismo, el surrealismo y el cubismo, (entre otras) podemos notar que, en esta época se valora mucho el mensaje implícito y la originalidad a la hora de plasmar algo en una obra. No obstante, los griegos aportaron grandes ideas, técnicas y reflexiones, acerca del arte y la pintura.

Frank Font Comunicación gráfica en el antiguo Egipto

Al leer este texto, podemos concluir que, los egipcios aportaron un gran precedente en lo que hoy en día conocemos como diseño gráfico, pues utilizaban el sistema jeroglífico, que se basaba en representar por medio de pinturas, los eventos o mensajes que querían transmitir. Para ellos emplearon una simbología y un sistema de lectura, los tamaños, colores (el color de la piel en las representaciones de los hombres era más oscuro que en el de las mujeres), el orden de lectura y las direcciones en que apuntaban los rostros, etc. Los egipcios imprimian sus creencias y conocimientos, valiéndose de arquetipos y símbolos, como el Diós THOD, Diós de la sabiduría y la magia, al cual representaban con cabeza de ave.
Es posible decir, en base a esta lectura, que en Egipto, ya existían formas de diseño gráfico aplicado a la época y en consecuencia con las limitaciones que para entonces existían, pues se comunicaba visualmente un mensaje. El principio, hoy en día, sigue siendo el mismo, solo que en vez de paredes, papyros y pigmentos, utilizamos herramientas modernas.
Frank Font Contribución asiática

Los chinos fueron los creadores del papel, y del precedente que más adelante inspiraría a Gutemberg, la imprenta. Éste sistema de impresión creado por los chinos previamente, consistía de un artefacto tallado en una punta con un relieve, el cual contenía la forma de lo que se iba a plasmar. Generalmente usaban bambú y piedra, pero luego, con la invención del papel, llegaron incluso a ser de las primeras cicilizaciones en usar papel moneda.
Su técnica caligráfica, es diferente a la occidental, ya que no está directamente relacionada con los fonemas ni con los jeroglíficos como en nuestra caligrafía, sino que es más bien una representación estética y muy artística, que se lee en otro orden y con otra forma de interpretación diferente a la alfabética que tenemos en occidente.

Frank Font Manuscritos iluminados

Durante la época medieval, que era una era marcada grandemente por el cristianismo, durante la cual se presenciaron hechos como la disolución del imperio romano y su posterior fusión con las culturas sajonas, bárbaros y demás, se produjeron cambios en el lenguaje (idiomas) y la escritura. Los documentos eran redactados por personas eruditas que tenían a su cargo la tarea de dirigir a quienes copiaban e ilustraban los escritos. A estas formas ornamentales y artísticas en los documentos, se refiere la palabra iluminado, es decir, adornado intencionalmente para despertar sentidos de espiritualidad y devoción en quien los leía, por medio de la gracia y de la estética de éstos. Se empleaban diversas tintas, de distintos colores, extraidas de elementos vegetales, minerales o animales.

Frank Font Los impresos llegan a Europa

Con la invención de la imprenta, por parte de Gutemberg, y el adelanto en las formas de extracción del papel heredadas de los chinos, las clases medias que antes habían sido ignorantes de toda forma de escritura y de lectura, pudieron tener acceso a este conocimiento, y la alfabetización fue aumentando progresivamente, pues antes, solo había sido un derecho de los monarcas y de las clases sociales más favorecidas. La imprenta, aumentó incalculablemente la producción de textos y libros, los cuales anteriormente tenian que ser escritos manualmente y se podía tardar muchos meses en hacer solo uno. Así mismo, el papel, facilitó la producción en cuanto a costos y cantidades, pues era mucho más costozo, demorado (además de cruel), utilizar pieles de animales como la de los carneros. Ya se empezaban a utilizar nuevas formas de diseño gráfico, pues se utilizan símbolos para representar mensajes, como los corazones que representaban al clero y las espadas a la nobleza en piezas de madera. Es evidente que aquí, surge nuevamente (como ya había sido en Egipto y en otras culturas) un lenguaje visual con significado implícito y, además, arreglos de caracter estético. Se emplearon distintos materiales para impresión, maderas,papeles y cobre, entre otros, y cada vez se fue implementando más, el uso de elementos visuales, ya fueran cargados de significados simbólicos, o simplemente decorativos.

Frank Font El art noveau y el cambio de siglo

Durante el final del siglo XIX y el comienzo del siglo XX, se comenzaron a emplear nuevas técnicas de arte cada vez más direccionadas hacía el diseño, con fines publicitarios o comunicativos, y con las cuales se fue creando un nuevo movimiento artístico que sería influenciado por sus predecesores estilos como el rococó y el gótico, de los cuales el art noveau heredó el énfasis que a los ornamentos se les daban en éstos estilos, además de la búsqueda de la innovación y del rompimiento progresivo con las técnicas tradicionalistas. Esto fue un poco bisceral, pues por una parte algunas personas lo tomaban como un progreso o evolución, mientras otras la veían como sólo una degeneración artística.
Entre los principales artistas de éste género, encontramos a Cheret, Graccet, Beardsley y Ricketts, los cuales todos incursionaron en el mundo de las impresiones, y convirtieron los afiches y pancartas, en obras de diseño e ilustración.

Frank Font La gráfica popular de la época victoriana

Durante el periodo victoriano, que comprendió buena parte del siglo XIX, el diseño y la impresión litográfica, se abrieron nuevos caminos gracias a las innovaciones logradas por los distintos pioneros. Desde los avances logrados por Senefelder en la impresión litográfica, pasando por la depuración realizada por Richard Hoe y los aportes de Mufford y Prang, Harper y hnos, hasta llegar a la imprenta mecánica de linotipo de Mergenthaler, el diseño fue progresando enormemente, abriendose campo es nuevas áreas que antes no habían sido exploradas, como los libros de colorear para niños, las tarjetas de navidad, publicidad para circos y otros negocios, lo cual conllevó cada vez más a la implementación del diseño y de sus respectivos sistemas de impresión, cada vez más avanzados, a que fueran utilizados con fines publicitarios, educativos y más, lo cual sigue sucediendo en la actualidad, más que en cualquier otra época, con la ayuda de la tecnología moderna.

Frank Font El movimiento de artes y oficios

Al finalizar la época victoriana y entrar en los primeros años del siglo XX, la revolución industrial comenzó a transformar el panorama mundial de una manera tal, que la sociedad en la que vivimos hoy día, es producto de ésta. Entre los aspectos que fueron modificados, está la relación entre las artes, el diseño y el comercio. Se fundieron entre si, por varios motivos. John Ruskin, aportó la idea de la unión entre el arte y el trabajo, una posición que luego muchos otros adoptaron, como fue el caso de William Morris. Ambos tuvieron infuencia en la sociedad con esta idea de darle a los objetos de comercio y al trabajo en general, un aspecto diferente, por medio del diseño y del arte. Esto conllevó, gradualmente, a un mayor papel para el diseño en la sociedad, a través de las distintas épocas y movimientos que fueron surgiendo desde la trancisión del arte victoriano al art noveau, durante todo el siglo XX.

Frank Font EL modernismo pictórico

Al comenzar el siglo XX, con el avance del diseño como técnica de comunicación, empleada para multiplicidad de cosas, desde la venta de un producto, el anuncio de un evento, hasta mensajes de tipo político, fueron surgiendo influyentes personajes que, con su toque personal, fueron aportando nuevos elementos para esta labor. Uno de los más influyentes fue Lucien Bernhard, un alemán que, a raíz de su gusto hacia el diseño y de un concurso en el cual participó, fue ganando reconocimiento y generando innovaciones en este campo, en especial, con la realización del cartel de cerillos Priester. La imagen y el mensaje escrito, constando de pocas y significativas palabras, fue cada vez implantándose más, dada la fácil asimilación por parte del observador, y por el carácter atractivo, llamativo y estético de esta labor, en la cual, cada vez se fueron desarrollando diferentes y más modernas técnicas de divulgación y creación.

Frank Font La Bauhaus y la nueva tipografía

Con la entrada a comienzos del siglo XX de la revolución industrial y aceleramiento que ésta causó en los niveles producción de las distintas empresas que iban surgiendo cada vez más, debido a la implementación continua de más eficientes y eficaces máquinas que reemplazaban la labor del hombre (dejándolos a muchos sin trabajo y en desgracia), las necesidades de comunicación visual se vieron grandemente acentuadas. Personajes como Walter Gropius Y Peter Benhrend, tuvieron la visión de adaptar la tradición académica del diseño a la nueva forma de vida industrializada que tanto modificó la vida de las personas, primero en Europa y luego, en todo el planeta. Buscaron que las técnicas artísticas se moldearan y surgieran nuevas tendencias que pudieran mimetizarse con este mundo de empresas y tecnología, y hacer parte vital de él, al ser utilizado por los distintos sectores de la industria para comunicar un servicio, producto etc. La Bauhause fue una academia de artes pionera y vanguardista en este respecto. Podemos ver como las escuelas de diseño de hoy ( por ejemplo la nuestra, Taller 5 ) están constituidas con esas pautas trazadas por la Bauhaus.

HISTORIA DE LA ARQUITECTURA EN COLOMBIA

La historia de la arquitectura en nuestro país, se remonta a tiempos muy remotos, iniciándose con las primeras culturas indígenas que habitaron en el territorio.
Durante miles de años, éstas culturas se concentraron principalmente en la zona de la Sabana de Bogotá y Cundinamarca. Se han llegado a encontrar restos líticos (Objetos hechos con piedra) en éstos lugares, los cuales se calcula que tienen más de 12 mil años, y recientes investigaciones han arrojado que dichos habitantes llegaron a éstos lugares hace aproximadamente veinte mil años.

A pesar de encontrarse ubicados relativamente cerca de culturas cómo la Inca, las manifestaciones arquitectónicas de las culturas indígenas colombianas, cómo la chibcha o muisca, no destacaron ni se acercaron en complejidad y diseño en comparación a las de sus vecinos peruanos. Las principales construcciones realizadas por éstas civilizaciones en Colombia, eran precarias, pues no se utilizó la piedra, cómo en el caso de los incas, los mayas y los aztecas, y por lo tanto, sus construcciones fueron pereciendo con el paso de los años, y en especial con la llegada de los españoles, sin que hubiera algún monumento o ciudad digno de grandes estudios de carácter arquitectónico.
Las viviendas, también denominadas Bohíos, eran construcciones con formas elípticas, realizadas con sistemas cómo el bahareque; palos entretejidos con cañas, zarzo, cañizo y barro. Los techos eran generalmente hechos a base de paja. Sus dimensiones tenían de cinco a 8 metros en diámetro. Se clavaban horcones a la tierra, para sujetar y asegurar los muros. Sus puertas y ventanas eran de tamaño más bien pequeño, y se solían colgar una especie de láminas de oro, las cuales brillaban y resplandecían con el rayo del sol, y producían sonidos armoniosos y agradables cuando el viento les golpeada, o con el movimiento cuando sus puertas eran abiertas y cerradas.
Las construcciones eran realizadas también con un cierto carácter jerárquico, las viviendas de los caciques o del Zipa (líder principal del grupo) eran, naturalmente las más ostentosas y especiales en todos los aspectos. Las cercas que rodeaban a la Zipa, eran hechas con madera de gran tamaño y solidez, y constaban de cierta simbología sagrada, la cual implicada incluso rituales y ceremonias de consagración. Se dice que su liturgia, conllevaba a sacrificar mujeres jóvenes en el acto de la construcción de la morada del Zipa, siendo estas metidas en el fondo del hoyo en el cual era colocado posteriormente el horcón, el cual obviamente la aplastaba de inmediato, y, por medio de ese brutal acto, se consideraba el resultado cómo signo de reciedumbre, vitalidad y buen augurio.

No se crearon ciudades ni poblados cómo en el caso de las grandes civilizaciones precolombinas contemporáneas. Las construcciones eran dispersas en distintas direcciones, en forma desordenada, cercanas relativamente unas de otras, y esparcidas a lo largo de todo el territorio que ocupaban.

Sin embargo, hubo manifestaciones artísticas importantes y destacadas a nivel cultural, cómo la cultura de San Agustín, originada en el siglo XVIII A.C. y hasta el siglo XVI D.C. en las regiones montañosas al sur del país. En ésta cultura, se hizo un especial uso lítico, produciendo con piedra memorables artesanías y esculturas, pero así mismo, diferentes objetos arquitectónicos cómo tumbas y monumentos. Algunos ejemplos de éstos son ; La Diosa de la Chaquira en el río Magdalena, el féretro de San Agustín y la estatua del yacimiento de mesitas, entre muchas otras de distintos tamaños.

Con la llegada de los españoles en la edad media, poco a poco éstas culturas fueron siendo cada vez más reducidas en número de habitantes y adoctrinadas en las creencias católicas que profesaban en España, con lo cual sus tradiciones arquitectónicas y artísticas, se fueron desvaneciendo y mezclando con las ibéricas lo cual dio origen a una nueva forma de construcciones en el país, las cuales fueron siendo realizadas progresivamente, y ya con una estética y concepto plenamente europeos.
Fueron surgiendo las primeras obras, cómo puentes y viviendas, lo cual se fue acentuando e incrementando durante el periodo de La Colonia, comprendido entre 1550 y 1810.
En ésta etapa de la historia del país, la arquitectura cada vez más fue siendo moldeada por los colonizadores, quienes en ese momento estaban siendo influenciados por los movimientos barrocos de moda en aquellos años en Europa, trayendo éstos conceptos a la América colonial en general y Colombia.