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Helvética Film en fragmentos y castellano. Primer fragmento.

Tags: diseño, helvetica, lella, poynor, Tipografía, vignelli external image Facebook.png
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Con motivo de los 50 años de la Helvética, en el 2007 se realizó este documental que ahora recuperamos en fragmentos y subtítulado en castellano. Aprovechando estos fragmentos, aportaremos algo más de información sobre los participantes en este vídeo, sobre algunas de las opiniones o diferentes aspectos relacionados con el tema. ¿Qué diseñador no tiene 10 minutos para dedicárselos a la tipografía?

Sobre la Helvética:


Helvética (anteriormente Neue Haas Grotesk, y últimamente Neue Helvetica) es una tipografía que se desarrolló por Max Miedinger en 1957 y respondiendo al encargo de Edouard Hoffmann -de la Fundición Haas- para que modernizara el estilo del tipo sin serifa de la casa, que era la Haas Grotesk.
Una vez remodelada, gracias al trabajo tanto de Miedinger como de Hoffman, se le denomina Neue Haas Grotesk y mantiene ese nombre hasta 1961, momento en el que la Fundición Stempel adquiere la Fundición Haas y los nuevos dueños deciden desarrollar una serie completa con diferentes pesos y a la que se le denomina “Helvetica” (del latín, “suiza”), en poco tiempo se posiciona como una de las tipografías más usadas de la historia.
La Helvetica es representante del llamado Estilo Tipográfico Internacional o estilo suizo y surge por la necesidad de tipos racionales. Gracias a sus grandes posibilidades de escalabilidad, su neutralidad, su idoneidad para titulares, su precisión… se convierte en la tipografía más usada durante el periodo en el que el Estilo Internacional marcaba la pauta del grafismo (la década de 1950 y 1960) y en las posteriores décadas de los 60 y 70. Su transparencia y simplicidad es su esencia y su carácter se torna dependiendo del contexto en el que se utilice.

Massimo Vignelli (su página):

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Responsabilidad social, simplicidad, fuerza y evolución.
En una entrevista Vignelli describió su trabajo como “barato, esencial, intelectualmente elegante, con fuerza y permanente”.
Nacido en Milán, emigró en los años 50 a Estados Unidos y creó -junto a su mujer, Lella Vignelli- la empresa de diseño Vignelli Assocites desde allí continúa trabajando en un abanico bastante amplio de aplicaciones: diseño de marca, de producto, de packaging, diseño gráfico y de muebles.
Entre sus trabajos más comentados y notables, destaca el sistema de señalética y mapas para el metro de Nueva York (1966) y el Museo Guggenheim en Bilbao (1998), la identidad corporativa de Bloomingdale’s (1972), la de Benetton (1995) y un larguísimo etcétera.
Pero lo más interesante de Vignelli es su aproximación al diseño como solución de problemas, como una disciplina que crea productos no elitistas. En el vídeo manifiesta que “La vida de un diseñador es una lucha, la lucha contra la fealdad…”
En otro momento del vídeo manifiesta algo con lo que estamos totalmente de acuerdo: “Un buen tipógrafo siempre tiene una sensibilidad con la distancia entra las letras. Creemos que la tipografía es blanco y negro… la tipografía realmente es blanca, ni siquiera es negra, es el espacio blanco entre los negros que realmente crea”
En su página se puede encontrar el PDF “The Vignelli Canon” , cerca de cien páginas en las que aporta conocimientos y experiencia profesional que nos puede ayudar a realizar una mejor creatividad “La creatividad necesita el apoyo del conocimiento para ser capaz de funcionar mejor”.

Rick Poynor:

En este primer vídeo también participa Rick Poynor, escritor británico de diseño, diseño gráfico, tipografía y cultura visual. Con numerosos libros publicados, son especialmente interesantes aquellos en los que documenta y analiza los movimientos en general, así como los específicos del diseño gráfico y la tipografía.
Entre estos se encuentran “Tipografía Ahora” (ISBN 978-1873968420), la primera encuesta internacional de la tipografía digital de finales del decenio de 1980 y principios de 1990, y “No más normas: Diseño Gráfico Posmodernismo” (ISBN 978-1856692298), un estudio crítico del diseño gráfico y el posmodernismo. Poynor también ha publicado tres colecciones de ensayo, que exploran las repercusiones culturales de la comunicación visual, incluida la publicidad, fotografía, imagen de marca, diseño gráfico y diseño al por menor.

Helvética Film en fragmentos y castellano. Segundo fragmento.

Tags: diseño, helvetica, rejilla, retícula, total design amsterdam, wim crouwel external image Facebook.png
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En este segundo fragmento podemos disfrutar de Win Crouwel, defensor del orden y del uso de las rejillas o retículas - “…me llaman Gridnik”- como esqueleto del diseño. “…y cear orden, eso es la tipografía”.

En este segundo fragmento también aparece el genial Mathew Carter, gran tipógrafo y padre de la Verdana, al que le dedicaremos otra entrada.

Wim Crouwel:


Diseñador, artista, profesor, director de museo y tipógrafo, conocido por sus alfabetos abstractos. El más conocido de todos es New Alphabet, de 1967, que está desarrollado sin curvas o diagonales para permitir la máxima legibilidad por parte de computadoras.
Wim Crouwel (Groningen, 1928) estudió en la Academia Minerva en Groningen entre 1947 y 1949. A continuación fue a Amsterdam, en donde fue discípulo de Charles Jongejans en el Instituut voor Kunstnijverheidsonderwijs hasta 1952.
Un diseñador holandés con claras influencias del diseño modernista suizo: tipográfico, reticular y claro.
Total Design Amsterdam, uno de los estudios más importantes del país, al frente del cual se encontraba Wim Crouwel, conocido defensor de la máxima “la forma sigue a la función”.
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Su larga y rica carrera incluye que en 1956 comenzara a trabajar con el arquitecto de interiores Kho Liang en la realización de tareas para la industria del mueble y el sector gráfico.
Fue responsable de muchos de los carteles y catálogos de los Van Abbe Museum de Eindhoven y el Stedelijk Museum de Amsterdam desde 1956 hasta 1982.
Crouwel fue cofundador Total Design, el primer estudio multidisciplinario de los Países Bajos, que se convirtió en el principal exponente del diseño holandés. Llegando a tener una influencia significativa sobre la identidad nacional y cultural de los Países Bajos. En la década de 1960 los países bajos se vieron inundados por carteles, catálogos, sellos postales e incluso la guía telefónica, todo diseñado por él y su estudio.
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En 1967 diseñó el famoso New Alphabet, y amplió la rejilla para hacerse una matriz en la que las formas de las letras fuesen construidas como unidades de una rejilla, permitiendo así el uso tipográfico digital.
En 1985 se convirtió en el director del Museo Boijmans van Beuningen, Rotterdam y también ocupó la Presidencia en la Universidad Erasmus, de Rotterdam (1987-93)
Los diseños de Wim Crouwel aún resultan actuales. Y su trabajo contiene el espíritu original en el que se basa una gran parte del diseño contemporáneo. Por lo tanto, su trabajo es a la vez inspirador e influyente tanto para las generaciones presentes como futuras.

Helvética Film en fragmentos y castellano. Segundo fragmento, II.

Tags: Diseño Gráfico, galliard, General, georgia, matthew carter, skia, tahoma, tipod digitales, Tipografía, tipos metal, verdana external image Facebook.png
Ayer publicábamos el segundo fragmento del documental Helvética films y dedicábamos la entrada al genial Wim Crouwet, pero en este segundo fragmento también aparece otro personaje importante del mundo de la tipografía, nada menos que Matthew Carter, para los que no le conozcan, quizás si les suenen nombres como Verdana, Skia, Galliard, Georgia, Tahoma…


Matthew Carter (Londres, 1937):

Es el tipógrafo o diseñador de tipografía más importante de nuestro tiempo y uno de los pocos diseñadores cuyo trabajo es utilizado por millones de personas cada día.
Como cuenta en el vídeo, su contacto con la tipografía fue desde siempre, ya que su padre (Harry Carter) también era tipógrafo y diseñador de libros y tipografía histórica.
Carter en su trayectoria ha sido testigo de la transición de los tipos de metal al actual tipo digital. De hecho una vez terminada la escuela ya pasó un año en la fundición Enschedé de los Países Bajos en donde se dedicó a la talla de caracteres metálicos.
Posteriormente estuvo en Nueva York, en donde quedó asombrado por las progresistas y creativas composiciones tipográficas de Herb Lubalin, Milton Glaser y otros diseñadores de los años 60.
En Londres se convirtió en un profesional independiente y asesor tipográfico de Crosfield Electrónica, diseñando también muchos tipos para Mergenthaler Linotype.
En 1981, fundó junto a Mike Parker Bitstream Inc., actualmente uno de los mayores proveedores de tipografía digital. Bitstream es realmente la primera fundición digital, desde donde se vendían tipos digitalizados a las nuevas compañías que estaban lanzando equipos electrónicos de imagen y necesitaban el apoyo de buenas bibliotecas de tipos para hacer viables sus sistemas. La biblioteca Bisstream tiene importantes diseños, como el Charter diseñado en 1987, o como New Baskerville (una renovación de la Baskerville), ambos tipos diseñados por el propio Matthew.
En 1991 deja la empresa para formar Carter&Cone Type con Cherie Cone.
Diseña específicamente para ordenadores Apple y Microsoft, siendo la Verdana y Georgia dos de sus fuentes más populares y creadas principalmente para ver en los monitores de ordenador.
Ha creado tipografías para medios como Time, The Washington Post, The New York Times, Boston globe, Newsweek…
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Muchas tipografías de uso generalizado en la actualidad, entre ellas la Garamond de Adobe y la Galliard de Matthew Carter, son en efecto el rediseño de tipografías del siglo XVI. La Galliard es una adaptación contemporánea de los diseños tipográficos de Robert Granjon, un tipógrafo del siglo XVI, cuyas tipografía contaban co una gran popularidad debido a su belleza y legibilidad y del cual Carter era fan. En palabras de su propio autor, “el resultado no fue una copia literal de ninguna de las tipografías de Cranjon, sino una reinterpretación de su estilo”.
Carter ha ganado numerosos premios por sus contribuciones significativas al diseño y la tipografía, incluyendo un “honoris causa” del Doctorado en Humanidades del Instituto de Arte de Boston, una medalla de Aiga en 1995 o el Premio de Tipografía Sota en el 2005.

Verdana:

Quizás una de sus tipografías más utilizadas es la Verdana, que fue creada en 1994 por Carter para la compañía Microsoft y especialmente para ser utilizada en pantalla. W/O “hinting” (optimización que se hace para ser legible a bajas resoluciones) fue optimizado por Tom Rickner de Monotype.
La Verdana posee un ligero toque de tipografía humanista donde las curvas y diagonales fueron meticulosamente ajustadas para que los píxeles sean claros, legibles y agradables a tamaños pequeños, consiguiendo una fusión perfecta entre forma y función. Los caracteres más confusos como la “I” mayúscula, “J”, “L”, “i” o la “l” minúscula fueron individualizados y los amplios espacios entre las letras consiguen una legibilidad excepcional.
Los pesos también fueron diseñados para conseguir el suficiente contraste, asegurándose que la versión Bold sea igualmente pesada a tamaños pequeños. Según las palabras de Tom Rickner, aunque la optimización de los bitmap fue lo más crucial en su elaboración, su uso no se debe limitar solo a la pantalla, ya que también funciona bastante bien en papel, incluso a tamaños grandes.
Mattew Carter, como una de las últimas personas que han aprendido el arte de hacer el tipo de metal a mano, tiene un conocimiento que auna la tradición y su aplicación actual a las necesidades digitales. No sólo considera la forma de la letra, sino su volumen y el espacio visual ocupado, así como las implicaciones para el espacio que comparte con el siguiente caracter, así como todas las combinaciones tipográficas en una página.
Actualmente la Verdana es el tipo por antonomasia de la Web y da forma a una buena parte de la información escrita del siglo XXI.

Helvética Film en fragmentos y castellano. Tercer Fragmento.

Tags: alfred hoffmann, bitstream, eduard hoffmann, helvetica, helvetica forever, linotype, max miedinger, mike parker, myfonts external image Facebook.png
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Seguimos hablando de tipografía con la escusa de ir viendo este documental sobre la Helvética. Es habitual que cuando los alumnos comienzan a trabajar en el diseño, se centren habitualmente en el grafismo y las ilustraciones olvidándose del lugar clave que ocupa la tipografía en el diseño gráfico. Considero que al buen diseñador se le distingue precisamente por el buen manejo tipográfico, por conocer las diferentes familias tipográficas, tener en cuenta las connotaciones que estas pueden tener, su origen, así como la función que desempeñará en el conjunto de la pieza gráfica que estén diseñando.
Alfred Hoffmann / Eduard Hoffmann / Max Miedinger:
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Alfred Hoffmann hijo de Eduard Hoffmann, creador de la Helvética junto con Max Miedinger en 1957. Pero ¿Quíen era Max Miedinger? “Primero debes aprender algo en condiciones…” con estas palabras terminó el padre la discusión con su hijo Max de 16 años de edad, cuando este quiso ser pintor.
En el otoño del año 1926 Max Miedinger comienza de aprendiz de cajista en la imprenta “Jaques Bollmann” en Zurich. Cuatro años más tarde completa su formación asistiendo a cursos de noche en la Academia de Artes en Zurich, y en el año 1936 Max finalmente logra trabajar como tipógrafo para la agencia publicitaria de los centros comerciales “Globus”. Durante diez años consecutivos crea carteles, anuncios, impresos, etc.

Después del fin de la segunda guerra mundial Max se muda a Münchenstein, cerca de Basilea, para comenzar como comercial en la fundición Haas. El director Eduard Hoffmann valora su versatilidad y sobre todo su gran talento tipográfico. Hoffmann quiere lanzar un nuevo tipo de letra al mercado. En estos tiempos los países de habla alemán usan mayormente la “Akzidenz Grotesk” de H. Berthold, Berlin.
Partiendo de las tipografías sans-serifs, Max desarrolla en pocos meses la “Haas Grotesk“, que entra en el verano de 1957 en el mercado. Stempel -en Frankfurt- propietario en mayoría de la suiza fundición Haas, renombra la “Haas Grotesk” denominándola “Helvetica“ (en referencia a su origen). Sale al mercado en 1961 logrando gran éxito en los años sesenta. Grandes empresas crean sus logotipos con “Helvetica”, entre ellas Lufthansa, Bayer, Hoechst, Deutsche Bahn, BASF y BMW.
1983 Stempel desarrolla la “Neue Helvetica”.
El libro “Helvetica Forever” (ISBN: 978-3-03778-121-0):
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Este libro, publicado a tiempo para la Feria del libro 2007 de Frankfurt, narra la historia de la fuente tipográfica. Ha sido escrito para tipógrafos, diseñadores y diseñadores gráficos. Narra la historia de esta fuente con la ayuda de Alfred E. Hoffmann (hijo de Eduard Hoffmann, presente en la creación de Helvetica). 159 páginas. 150 imágenes, 128 de las cuales son en color.

Mike Parker / Linotype / Bitstream / MyFonts:

Otra de las personas que participan en el documental es Mike Parker, que fue Director de Desarrollo tipográfico Mergenthaler Linotype EE.UU., desde 1961 y hasta 1981.
La historia de la compañía Linotype se remonta a la invención de la máquina de linotipia de Ottmar Mergenthaler en 1886. Ottmar Mergenthaler (Württemberg, Alemania, el 11 de mayo 1854-q899 Baltimore, EE.UU.) produce en EE.UU. la primera máquina de fundición. La máquina recibe el nombre de “Blower” que se cambia después por “Linotype” (abreviación de “Line of type” -línea de tipo-). La máquina de fundición Linotype recibe el “Grand Prix” en la Expo Mundial de París, en 1989 y un año después se funda la empresa Mergenthaler Linotype Company en Brooklyn, NY, EE.UU y Mergenthaler Linotype & Machinery Ltd. en Manchester, Inglaterra.
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La actual Linotype GmbH, es una compañía filial de su antigua rival Monotype Imaging, y hasta Agosto de 2006, filial de la compañía de impresión Heidelberger Druckmaschinen AG. La moderna Linotype se basa en la gestión de su extensa biblioteca de diseños de tipografías y marcas registradas, que explota mediante la creación de tipografías digitales.
El sitio contiene información acerca de los eventos, exhibiciones, conferencias y eventos Linotype, como concursos y conferencias. También ofrece una newsletter con novedades y ofertas. Contiene además secciones con datos sobre diseñadores, glosario, una librería asociada a Amazon.com.
Mike Parker, nos habla de fondo y forma, blancos y negros, tipografía en estado puro: “Cuando hablas sobre el diseño de la Haas Neue Grotesk o Helvética, de lo que se trata es de la interrelación de la forma en negativo, la relación entre figura y fondo, las formas entre caracteres y dentro de los caracteres con el negro…una poderosa matriz de espacio circundante”.
Bitstream, Fue la primera fundidora digital independiente, fundada en 1981 por Mike Parker y un grupo de expertos en tipografía de Linotype, incluyendo a Matthew Carter. Su objetivo inicialmente fue construir una biblioteca de fuentes standard. En los últimos años desarrolló fuentes como Cataneo, Chianti, Eyeballs y CandyBits, y recientemente Prima, diseñada especialmente para funcionar en la web. Cabe destacar la tipografía Charter disañada en 1987 y la New Baskerville, ambas diseñadas por Matthew Carter. En 1999 Bitstream creó MyFonts, un sitio web para encontrar, probar y comprar fuentes on line.

Helvética Film en fragmentos y castellano. Tercer Fragmento II.

Tags: Diseño Gráfico, General, Hermann Zapf, Michael Bierut, Palatino, Pentagram, Tipografía external image Facebook.png
Tercer fragmento, segunda parte y dos personajes dignos de reseñar y conocer un poco más acerca de ellos.

Hermann Zapf:

Hermann Zapf nació el 8 de noviembre de 1918 en Nuremberg (Alemania). En 1934 comienza un aprendizaje de 4 años como corrector en la imprenta Karl Ulrich & Co. Es en 1935 cuando se interesa por la caligrafía después de visitar una exposición itinerante de los trabajos del tipógrafo Rudolf Koch y de leer los libros The Skill of Calligraphy del propio Rudolf Koch y Writing, Illuminating and Lettering de Edward Johnston.
En el año 1938, después de su aprendizaje, comienza a trabajar en el taller de Paul Koch en Frankfurt estudiando al mismo tiempo el arte de la imprenta y la grabación de punzones junto a August Rosenberg que era un maestro grabador. Con la colaboración de Rosenberg, Zapf produce un libro de 25 alfabetos caligráficos titulado Pen and Graver y que fue publicado por Stempel en 1949.
Hermann Zapf en su libro de 1954, Manuale Typographicum, señaló los requerimientos de cambio inevitables que reclamaban los nuevos lectores, los nuevos medios de comunicación y las nuevas tecnologías. En la década de 1950, la técnica de fotocomposición había comenzado a desplazar a los caracteres de metal fundido. Lo más sobresaliente de este periodo fue la consolidación del dominio del estilo internacional suizo en el mundo de la composición; el estilo internacional de la escuela suiza se basa en el uso de una retícula para los diseños, en el uso casi excluyente de los tipos grotescos y en las composiciones asimétricas.
Optima y Melior son tipos diseñados por Zapf en 1958. Melior se caracteriza por tener formas robustas que se basan en el cuadrado, mientras que Optima oscila entre una letra romana y una sans serif moderna, originando un palo seco con cualidades caligráficas.
Además del anteriormente nombrado, Hermann Zapf ha publicado una serie de libros de sus temas favoritos, el diseño, el dibujo de letras y la tipografía. Entre otros, podemos destacar: About alphabets, some marginal notes on type design (1960); Typographische Variationen (1963); Hunt Roman, the birth of a type (1965); Orbis Typographicus (1980); y Hermann Zapf and his design Philosophy (1987).
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“He diseñado muchos alfabetos, incluidos el árabe, cirílico, griego, scripts, Zapfino, la Zapf Dingbats…, pero mi favorito son los tipos de letra Palatino, Optima y Melior.”
Algunos de los tipos que Hermann Zapf ha diseñado:
Gilgengart (1941), Michelangelo (1950), Aldus (1954), Aldus Nova (2005), Aurelia (1983), Comenius Antiqua BQ (1976), Edison (1978), Kompakt (1954), Marconi (1976), Medici Script (1971), Melior (1952), Noris Script (1976), Optima (1958), Hunt roman (1962), Medici (1969), Optima nova (2002), Orion (1974), Aurelia (1983), Palatino (1950), Palatino nova (2005), Palatino Sans (2006), Saphir (1953), Sistina (1950), Vario (1982), Venture (1969), Virtuosa Classic (2009), Linotype Zapf Essentials (2002), Zapfino (1998), Zapfino Extra (2003), ITC Zapf Chancery (1979) ITC Zapf International (1976), ITC Zapf Book (1976), Zapf Renaissance Antiqua (1984–1987), ITC Zapf Dingbats (1978).

Michael Bierut:


Nació en Cleveland, Ohio y estudió Diseño gráfico en la University of Cincinnati’s College of Design, Architecture, Art and Planning. Antes de entrar como socio en Pentagram en 1990, era vicepresidente de Diseño Gráfico en Vignelli Associates.
En Pentagram, Michael es responsable de dirigir a un equipo de diseñadores gráficos que crean diseño de la identidad, diseño gráfico ambiental y soluciones de diseño editoriales.
Ha ganado centenares de galardones por su trabajo en el campo del diseño y se halla en varias colecciones permanentes incluyendo: the Museum of Modern Art (MoMA) , el Cooper-Hewitt, National Design Museum en New York; la Library of Congress in Washington, DC; el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA); el Denver Art Museum; el Museum für Kunst und Gewerbe in Hamburgo, Germany y the Museum für Gestaltung in Zürich, Suiza.
Ha sido un miembro muy activo en el American Institute of Graphic Arts (AIGA), ejerciendo como presidente del New York Chapter entre 1988 y 1990 y como el presidente nacional de AIGA de 1998 a 2001. Actualmente , es el director del Architectural League of New York y de New Yorkers for Parks. En 1989, Michael fue elegido para formar parte de la Alliance Graphique Internationale, y en 2003 fue introducido en el Art Directors Club Hall of Fame.
Es crítico en diseño gráfico en la Yale School of Art y coeditor de la serie de antologías Looking Closer: Critical Writings on Graphic Design . Es cofundador del diario online Design Observer. Sus comentarios sobre diseño gráfico en la vida diaria se pueden escuchar a nivel nacional en el programa “Studio 360.” de Public Radio International.
Desde 1998, la prestigiosa Escuela de Arquitectura de Yale delegó toda su comunicación gráfica a Michael Bierut, un “vaquero gráfico” nacido en Ohio y afincado en New York. A lo largo de estos diez años, el fundador del blog Design Oberver y socio de Pentagram ha sabido combinar la sencillez con la sofisticación, lo popular con lo elitista, lo ecléctico y lo puro, dotando a la escuela de un sello único y haciendo valer la sentencia de que la solución está en el problema.
Publications: “Seventy-nine Short Essays on Design” By Michael Bierut. Princeton Architectural Press, 2007. Setenta y nueve ensayos cortos sobre diseño en diferentes tipografías, recogidos de su blog.

Helvética Film en fragmentos y castellano. Cuarto.

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Tobias Frere-Jones:

Nacido en 1970 en Nueva York. Su adolescencia se dividió entre las galerías de Manhattan y los astilleros de Brooklyn. A los catorce años comenzó a exponer pinturas, esculturas y fotografías en galerías de Nueva York.
Nacido en una familia de escritores e impresores, aprendió el poder de un texto escrito y, por supuesto, entró en el diseño tipográfico. Desde el momento en que entró en Rhode Island School of Design, el diseño tipográfico desplazó el resto de los demás intereses.
Se graduó en el Departamento de Diseño Gráfico en 1992 y comenzó a trabajar en Font Bureau, en donde fue diseñador jefe durante varios años.
Además de sus numerosas contribuciones a la biblioteca de Font Bureau, ha realizado tres tipos de letra (Reactor, Fobonacci y Mocrophone) para la revista de diseño de tipos experimental Fuse.
En 1999, dejó Font Bureau y regresó a Nueva York, en donde comenzó a trabajar con Jonathan Hoefler en Hoefler y Frere-jones Type Foundry. Juntos han colaborado en proyectos como The Wall Street Journal, Nike, Pentagram, revista Esquire, The New York Times. Frere-Jones actualmente también enseña diseño tipográfico en la Escuela de Arte de Yale junto con Matthew Carter.

Ha diseñado más de setecientos tipos de letra para publicaciones, clientes personalizados y con fines experimentales. Algunas de ellas son: Armada, 1987-94; Dolores, 1990 Dolores, 1990; Hightower, 1990–94; Nobel , 1991–93; Garage Gothic, 1992; Archipelago, 1992–98; Cafeteria, 1993; Epitaph, 1993; Reactor, 1993–96 * Reiner Script, 1993 Reiner Guión, 1993; Stereo, 1993; Interstate , 1993–99; Fibonacci, 1994; Niagara, 1994; Asphalt, 1995; MSL Gótico (sin Benton), 1995; Citadel, 1995; Microphone, 1995; Pilsner, 1995; Poynter Oldstyle, 1996-97; Poynter gótico, 1997; Griffith Gothic, 1997; Whitney, 1996-2004; Numbers (with Jonathan Hoefler ), 1997–2006; Phemister, 1997; Grand Central, 1998; Welo Script, 1998; Mercury Text (with Jonathan Hoefler ), 1999; Vitesse (with Jonathan Hoefler ); Lever Sans (with Jonathan Hoefler ), 2000; Evolution (with Jonathan Hoefler); Retina, 2000; Nitro, 2001; Surveyor, 2001; Archer (with Jonathan Hoefler and Jesse Ragan ), 2001; Gotham , 2001; Idlewild, 2002; Exchange, 2002; Monarch, 2003; Dulcet, 2003; Tungsten, 2004; Argosy, 2004.
En una ocasión se le preguntó a Tobias si realmente el mundo necesitaba más tipos de letra y él respondió “El día que dejemos de necesitar un nuevo tipo de letra, será el mismo día en que dejemos de necesitar nuevas historias y nuevas canciones”.

Erik Spiekermann:

Nacido el 30 de mayo de 1947, es tipógrafo y diseñador alemán.
“Soy, obviamente, un obseso de los tipos, lo cual no es ninguna enfermedad incurable, sino mortal” de esta forma se define en el film además de manifestar su poco cariño a la Helvética “Un tipo de letra de verdad necesita ritmo, necesita contraste…la helvética no tiene nada de eso”. A la pregunta del entrevistador ¿por qué después de 50 años es tan popular? Su contestación es demoledora “No lo se ¿por qué está tan extendido el mal gusto?”.
Pero ¿quíen es Spiekermann?, veamos un poco acerca de este personaje.
Spiekermann estudió Historia del Arte e Inglés en la Universidad Libre de Berlín. Entre 1972 y 1979, trabajó como diseñador gráfico independiente en Londres antes de volver a Berlín y fundar MetaDesign con dos socios. Los clientes de la firma incluyen a Adobe Systems, Apple Computer, Audi, Hewlett Packard, IBM, y Nike, con oficinas en Berlín, San Francisco, y Zúrich.
Es arquitecto de información, diseñador de fuentes tipográficas y autor de libros y artículos sobre tipografía; como la «novela tipográfica» titulada Rhyme & Reason A Typographic Novel, publicada primero en alemán en 1982 y después en inglés, en 1989, donde con humor expone sus ideas sobre la tipografía. En 1993 ha aparecido otro de sus libros: Stop Stealing Sheep & Find Out How Type Works, editado por Adobe Press.
En el documental de Helvética manifiesta: “… para mi la tipografía es una extensión obvia, porque es lo que hace visible mis palabras”. Algunos de sus diseños tipográficos son: FF Meta, ITC Officina, FF Info, FF Unit, Nokia Sans, Bosch Sans et al.
En 1979 funda MetaDesign, la firma de diseño más grande de Alemania, con oficinas en Berlín, Londres y San Francisco.
En 1988 lanza FontShop, la primera fundidora digital y distribuidora independiente de fuentes. En este caso, comparte sociedad con Ed Cleary en Canadá y con Neville Brody en el Reino Unido. La trayectoria de FontShop refleja no sólo el amor por la tipografía de Spiekermann sino, también, una de las cuestiones que más le interesan: la relación entre el diseñador y las nuevas tecnologías. Es, asimismo, un buen ejemplo de cómo en una organización pueden convivir, sin restar unidad y aparentemente sin fisuras distintas maneras de concebir el diseño.
Es profesor honorario de la Academia de Artes de Bremen (Academy of Arts in Bremen), vice-presidente del consejo alemán de diseño (German Design Council), presidente de la Sociedad Internacional de Diseñadores Tipográficos (International Society of Typographic Designers) y miembro del directorio de ATypI. Fue presidente del Instituto Internacional de Diseño de información (International Institute of Information Design).

En julio de 2000, se retira de la administración de MetaDesign Berlin. Actualmente vive y trabaja en Berlín, Londres y San Francisco, diseñando publicaciones (como la revista The Economist), sistemas complejos de diseño (como el diseño corporativo de Bosch y DB, German Railways) y más tipografías. Su nueva firma de diseño se llama UDN United Designers Network.
Algunos rasgos de su estilo:
• Barras de color que sitúa en los bordes de las páginas en muchos de sus trabajos y desde hace mucho tiempo.
• Especial cuidado en el espaciado entre palabras y el interlineado.
• Preocupado por la partición de palabras y las formas de las líneas, no suele justificar los textos.
• Cuando juega con superposiciones, experimenta con formas y colores, aunque no con efectos tipográficos (claridad tipográfica): “Legibilidad no es comunicación, pero para comunicar, el tipo ha de ser legible”.
Meta y Officina.
Concebida como tipografía corporativa para Deutsche Bundespost (servicio postal alemán), la Meta surgió de los intentos de Spiekerman para convencer al Deutsche Bundespost «el cliente más aburrido que se pueda imaginar», en sus propias palabras, de la necesidad de acabar con el caos tipográfico que presidía sus comunicaciones: montones de impresos realizados en infinitas versiones de una Helvética que en realidad no es tal y que el diseñador alemán no ha dudado en calificar de «seudo-Helvética». Para ello, sugirió que lo mejor era crear una tipografía nueva y exclusiva.
En principio, el proyecto pareció que iba a salir adelante pero, finalmente, Spiekermann chocó de frente con el conservadurismo y la incomprensión. El Deutsche Bundespost decidió no dar el visto bueno porque consideró que el proyecto de MetaDesign produciría desorden, cancelando así un trabajo que ya estaba en marcha y en el que Spiekermann había invertido buena parte de sus esfuerzos.
El desinterés mostrado por el organismo oficial permitió a Spiekermann utilizar libremente la tipografía que había creado, relanzándola unos años más tarde. La retomó en 1989 y la digitalizó para poder usarla en las comunicaciones internas de su propio estudio. El objetivo de la tipografía Meta era satisfacer la necesidad de una fuente para texto, que fuera duradera y adaptable a diferentes entornos de pantalla y métodos de impresión.
Encargó, entonces, al holandés Just van Rossum, un «auténtico» diseñador de tipos, los últimos retoques que hicieron de la Meta una tipografía clara y flexible. Algún tiempo después, MetaDesign decidió incluirla en el catálogo de FontShop. Meta pasó a llamarse FFMeta y desde entonces ha sido una de los tipos más solicitados por los diseñadores, sobre todo de los Estados Unidos; por su ubicuidad hay quienes han dicho que era la «Helvética de los noventa».
Como hasta aquel momento sólo se presentaba en las versiones normal, itálica y bold, hubo que ampliar la familia. Para ello, Spiekermann solicitó ayuda a otro diseñador holandés, Lucas de Groot. Lucas de Groot creó, también bajo la dirección de Spiekermann, la tipografía Folha destinada al periódico brasileño Dinheiro, rediseñado desde Berlín por MetaDesign entre 1994 y 1995. Meta y Folha responden a una manera de trabajar muy propia de Spiekermann.
Otra de las tipografías más conocidas de entre las producidas por MetaDesign es la Officina. Fue un encargo de International Typeface Corporation (ITC) y nació como una fuente intermedia entre los viejos tipos característicos de la máquina de escribir y los tradicionales de imprenta. La idea de Spiekermann era crear una pequeña familia, legible y funcional, capaz de cubrir las necesidades de la correspondencia y la documentación generadas en una oficina. Officina, como Meta, ha alcanzado una enorme popularidad.


Helvética film en fragmentos y castellano. Quinto.

Tags: helvética film, Neville Brody, Research Studios, Tipografía external image Facebook.png
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Un dicho torero dice que “no hay quinto malo”, así que aquí os ofrecemos este quinto fragmento en el que participan Neville Brody, Lars Müller y Paula Scher. En este caso nos centraremos en Neville Brody.

Neville Brody (Londres, 1957).

¿Qué se puede decir de él que no se haya dicho ya? Evidentemente un diseñador imprescindible a la hora de hablar de tipografía y de la aplicación de esta en el diseño editorial.

“La manera en que se presenta algo, define el modo en el que reaccionamos a ello”, comenta en el documental.
Este diseñador inglés, se formó en el London College of Printing.
Su trayectoria profesional comenzó realizando cubiertas de discos para sellos independientes como Fetish Records, donde pudo experimentar con un nuevo lenguaje gráfico con el que se alejaba de las tendencias de la época y se acercaba a las teorías de las vanguardias y de la Bauhaus.
Revolucionó junto a otros diseñadores el concepto de revista, usando la forma tipográfica en su máxima expresión, creando nuevas formas de composición de página y utilizando elementos tipográficos como rasgos expresivos de la página. Su mano de director de arte se ha desarrollado en diferentes publicaciones como The Face, para la que diseñó Typeface Six, una tipografía en la que se recogía las influencias punk y las nuevas corrientes de la new wave. Otras publicaciones en las que ha desarrollado su dirección son Arena, City Limits, Lei, Per Lui, Actual así como en el periódico The Observer y su magazine.
The Face y Arena se contituyeron en referente para la tipografía de vanguardia por la utilización expresiva que hacía de los tipos y su utilización como recurso gráfico, con un lenguaje de imágenes fuertemente icónicas y con un cierto aire tribal y primitivo.
En 1988 el ordenador se convirtió en su principal herramienta de trabajo y comenzó a diseñar nuevas tipografías que han sido distribuidas por Linotype. Fue en ese mismo año cuando se publicó la primera monografía de su obra, The graphic language of Neville Brody, así como una exposición en el Victorian and Albert Museum. Estos dos acontecimientos hicieron que la personalidad de este diseñador y su obra fuesen conocidas más extensamente. Este primer libro cuenta con 160 páginas y unas dimensiones de 29,8×24,6×1,2 cm. Está editado por Thames & Hudson y su ISBN es 978-0500274965.
En 1990 abrió Fontworks, una fundición independiente que entró a formar parte de la familia FontShop International (de la que ya anteriormente hablamos y cuyo fundador es Erik Spiekermann), con la que se lanzó la plataforma experimental FUSE (1991), con la idea de convertirse en un foro de investigación tanto del lenguaje como de las posibilidades de la tipografía.
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En este proyecto, de tipografía experimental y comunicación, en cada número y con un tema en común, hay una serie de diseñadores que crean una tipografía cada uno. La publicación de Fuse es una carpeta de cartón que contiene las cuatro tipografías en soporte digital, un cartel por cada tipo y una hoja editorial, todo en tamaño A2. El reverso de los posters es utilizado para discutir u ofrecer puntos de vista alternativos sobre el tema.
En el documental también señala la importancia de la relación entre fondo y forma, lo determinante que es la elección tipográfica en la presentación de cualquier mensaje, ya que no sólo es un vehículo que nos permite plasmar lo que queremos decir, sino que en sí mismo ya es un elemento significativo. “Puedes tomar el mismos mensaje y presentarlo con tres tipos de letra distintos y la respuesta a eso, la respuesta emocional inmediata será diferente”, señala Brody.
En 1994 se publicó la segunda monografía, The Grapdhic Language of Neville Brody II, en donde se muestran sus trabajos desde 1988. El libro cuenta con 176 páginas en inglés y tiene una dimensión de 30×24,2×1,6 cm. Está publicado por Thames & Hudson. ISBN 978-0500277706.
Entre las tipografías diseñadas por Neville se encuentran -entre otras- Arcadia, FF Blur, la serie FF Dirty, FF Gothic, FF Harlem, Industria, Insignia, FF Pop, FF Tyson y FF World, así como gran cantidad de tipos experimentales.
Actualmente sigue trabajando en Research Studios, que tiene sedes en Londres, París, Berlín y Barcelona. Para los que quieran ver más trabajos de Neville y su equipo, en las páginas de Research Studios se pueden encontrar bastantes que nos pueden dar una idea más aproximada sobre su forma de trabajo y un estilo de diseño que, inevitablemente, ha marcado a muchos diseñadores actuales.


Helvética film en fragmentos y castellano. Fragmento Quinto II
Posted: 25 Jun 2009 09:34 PM PDT

Lars Müller:


Nacido en Oslo en 1955, es un noruego que ha vivido en Suiza desde 1963.
Después de sus estudios como artista gráfico y algunos años como estudiante en EE.UU y Holanda, abrió su estudio en Baden (Suiza) en 1982.
Desde 1996 ha sido socio de Integral Concept un grupo multidisciplinario de diseño. Comenzó a publicar libros sobre tipografía, diseño, arte, fotografía y arquitectura en 1983.
Es miembro de Alliance Graphique Internationale y recientemente ha comenzado a trabajar como profesor de diseño gráfico en la Hochschule für Gestaltung und Kunst, en Basilea.
Además de ser editor, Lars Müler es también un apasionado diseñador fuera de la esfera de los libros. Diseño Corporativo, Sistemas de Señalización, Comunicación corporativa y editorial es el ámbito de trabajo del estudio Integral Lars Müller.
Desde 1996 ha sido socio de Integral Concept, un grupo de trabajo que está formado por cinco estudios con el mismo enfoque intelectual pero con diferentes intereses en torno a la arquitectura y el diseño de producto y ubicados en París, Milán y Baden.

Lars Müller Editores:

Es una editorial de ámbito internacional, que tiene su origen en Baden (Suiza) en 1983, como resultado de la pasión del bibliófilo y diseñador Lars Müller.
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Esta editorial es conocida mundialmente por el cuidado en el diseño de publicaciones sobre arquitectura, diseño y fotografía contemporánea. Lars Müller trabaja en estrecha colaboración con sus autores para producir publicaciones de alta calidad, con gran independencia en sus contenidos y un mejor acabado en sus ediciones. A menudo la prensa califica sus publicaciones como una autentica “escuela de ver”.

Paula Scher:


Socia de Pentagram Paula Scher estudió en la escuela Tyler School of Art en Filadelfia y comenzó su carrera gráfica del diseño como director de arte de portadas de discos en Atlantic y CBS Records en los años 70. En 1984 cofundó Koppel y Scher, y en 1991 se unió a Pentagram como socio.
Ha desarrollado diferentes programas de identidad y sistemas de marcas, materiales promocionales, elementos gráficos ambientales, packaging y diseño de publicaciones para una amplia gama de clientes. Bebiendo de lo que ha llamado Tom Wolfe el “gran guardarropía” de la historia del arte y del diseño, de la iconografía pop y la obra clásica, de la literatura, de la música y del cine. Paula crea imágenes que hablan a las audiencias contemporáneas con gran impacto emocional y captando su atención. A lo largo de las tres décadas de su carrera, estas imágenes han sido identificadas visualmente con la vida cultural de New York City.
Paula es miembro de la Art Directors Club Hall of Fame y ganadora del Chrysler Award for Innovation in Design. Ha formado parte de la dirección nacional del American Institute of Graphic Arts (AIGA), y en 2001 le concedieron el honor más alto de la profesión, la medalla de AIGA, en el reconocimiento de sus distinguidos logros y contribuciones a este campo. Tiene un doctorado honorario del Corcoran College of Art and Design, y forma parte de la a junta de directores del The Public Theater. También miembro de la Alliance Graphique Internationale (AGI).
Su trabajo se ha expuesto por todo el mundo y se encuentra en las colecciones permanentes del Museum of Modern Art, el Cooper-Hewitt National Design Museum en New York, la Library of Congress in Washington, D.C., el Denver Art Museum, el Museum für Gestaltung Zürich, y the Bibliothèque Nationale de France y el Centre Georges Pompidou en París. Ha ejercido la enseñanza a lo largo de dos décadas en la School of Visual Arts, y en la Cooper Union, Yale University y la Tyler School of Art.
En el año 2002, Princeton Architectural Press, publicó una monografía de su carrera “Make It Bigger”, un libro de 256 páginas y con el ISBN 978-1568983325.
Ahora que muchos cogemos jornada intensiva e incluso unos días de vacaciones, quizás tengamos más tiempo para nosotros y para reflejar nuestras reflexiones, gustos, viajes o experiencias en una Moleskine. Ponemos aquí el enlace a una moleskine realizada por Paula Scher y en donde podremos ver otras no menos interesantes:
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Helvética film en fragmentos y castellano. Quinto.
Posted: 25 Jun 2009 01:16 AM PDT
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Un dicho torero dice que “no hay quinto malo”, así que aquí os ofrecemos este quinto fragmento en el que participan Neville Brody, Lars Müller y Paula Scher. En este caso nos centraremos en Neville Brody.

Neville Brody (Londres, 1957).

¿Qué se puede decir de él que no se haya dicho ya? Evidentemente un diseñador imprescindible a la hora de hablar de tipografía y de la aplicación de esta en el diseño editorial.

“La manera en que se presenta algo, define el modo en el que reaccionamos a ello”, comenta en el documental.
Este diseñador inglés, se formó en el London College of Printing.
Su trayectoria profesional comenzó realizando cubiertas de discos para sellos independientes como Fetish Records, donde pudo experimentar con un nuevo lenguaje gráfico con el que se alejaba de las tendencias de la época y se acercaba a las teorías de las vanguardias y de la Bauhaus.
Revolucionó junto a otros diseñadores el concepto de revista, usando la forma tipográfica en su máxima expresión, creando nuevas formas de composición de página y utilizando elementos tipográficos como rasgos expresivos de la página. Su mano de director de arte se ha desarrollado en diferentes publicaciones como The Face, para la que diseñó Typeface Six, una tipografía en la que se recogía las influencias punk y las nuevas corrientes de la new wave. Otras publicaciones en las que ha desarrollado su dirección son Arena, City Limits, Lei, Per Lui, Actual así como en el periódico The Observer y su magazine.
The Face y Arena se contituyeron en referente para la tipografía de vanguardia por la utilización expresiva que hacía de los tipos y su utilización como recurso gráfico, con un lenguaje de imágenes fuertemente icónicas y con un cierto aire tribal y primitivo.
En 1988 el ordenador se convirtió en su principal herramienta de trabajo y comenzó a diseñar nuevas tipografías que han sido distribuidas por Linotype. Fue en ese mismo año cuando se publicó la primera monografía de su obra, The graphic language of Neville Brody, así como una exposición en el Victorian and Albert Museum. Estos dos acontecimientos hicieron que la personalidad de este diseñador y su obra fuesen conocidas más extensamente. Este primer libro cuenta con 160 páginas y unas dimensiones de 29,8×24,6×1,2 cm. Está editado por Thames & Hudson y su ISBN es 978-0500274965.
En 1990 abrió Fontworks, una fundición independiente que entró a formar parte de la familia FontShop International (de la que ya anteriormente hablamos y cuyo fundador es Erik Spiekermann), con la que se lanzó la plataforma experimental FUSE (1991), con la idea de convertirse en un foro de investigación tanto del lenguaje como de las posibilidades de la tipografía.
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En este proyecto, de tipografía experimental y comunicación, en cada número y con un tema en común, hay una serie de diseñadores que crean una tipografía cada uno. La publicación de Fuse es una carpeta de cartón que contiene las cuatro tipografías en soporte digital, un cartel por cada tipo y una hoja editorial, todo en tamaño A2. El reverso de los posters es utilizado para discutir u ofrecer puntos de vista alternativos sobre el tema.
En el documental también señala la importancia de la relación entre fondo y forma, lo determinante que es la elección tipográfica en la presentación de cualquier mensaje, ya que no sólo es un vehículo que nos permite plasmar lo que queremos decir, sino que en sí mismo ya es un elemento significativo. “Puedes tomar el mismos mensaje y presentarlo con tres tipos de letra distintos y la respuesta a eso, la respuesta emocional inmediata será diferente”, señala Brody.
En 1994 se publicó la segunda monografía, The Grapdhic Language of Neville Brody II, en donde se muestran sus trabajos desde 1988. El libro cuenta con 176 páginas en inglés y tiene una dimensión de 30×24,2×1,6 cm. Está publicado por Thames & Hudson. ISBN 978-0500277706.
Entre las tipografías diseñadas por Neville se encuentran -entre otras- Arcadia, FF Blur, la serie FF Dirty, FF Gothic, FF Harlem, Industria, Insignia, FF Pop, FF Tyson y FF World, así como gran cantidad de tipos experimentales.
Actualmente sigue trabajando en Research Studios, que tiene sedes en Londres, París, Berlín y Barcelona. Para los que quieran ver más trabajos de Neville y su equipo, en las páginas de Research Studios se pueden encontrar bastantes que nos pueden dar una idea más aproximada sobre su forma de trabajo y un estilo de diseño que, inevitablemente, ha marcado a muchos diseñadores actuales.
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